Disney y la desorientación creativa

Por Auguste Meyrat. El artículo Disney y la desorientación creativa fue publicado originalmente en Law & Liberty.

Como dice el viejo refrán, «la política es la corriente descendente de la cultura». Por desgracia, esto tiende a olvidarse en años electorales, cuando esta observación es aún más aplicable. Si los conservadores quieren entender por qué los progresistas piensan y votan como lo hacen, sólo tienen que fijarse en sus medios de comunicación, que les influyen de manera profunda.

En consecuencia, podría ser una buena idea prestar atención a Disney y al inesperado triunfo de su última película de animación, Del revés 2. Teniendo en cuenta lo moribundo de la cartelera cinematográfica del año y los continuos problemas financieros de Disney, es justo declarar que Del revés 2 ha sido un caso de intervención divina. No sólo ha sido la película más taquillera del año, con más de 1.600 millones de dólares en todo el mundo, sino también la película de animación más taquillera de la historia.

Además, resulta ser una película decente, que recrea gran parte de la magia que hizo tan especiales a las anteriores películas de Pixar y Disney. Como la mayoría de los críticos, pensé que la trama parecía una versión recalentada de la primera película y, por tanto, adolecía de una visión superficial de la psique humana, pero era de lejos mejor que otras películas recientes de Pixar como Soul, Onward o Elemental.

Un amargo éxito

Dicho esto, aunque Del revés 2 dio a Disney una nueva oportunidad de vida, no todos los que trabajaron en el proyecto estaban contentos. Según un extenso artículo de IGN, muchas de las personas que trabajaron en el proyecto lamentan el éxito de la película y lo que significa para el futuro de Disney. Les molesta que la película presione a los empleados para que produzcan, que mantenga una estricta jerarquía creativa y que vaya sobre seguro en cuestiones culturales.

Aunque ridículas en sí mismas, estas objeciones arrojan luz sobre las causas del actual declive del entretenimiento dominante. Este declive no se debe a los formatos cambiantes provocados por el streaming, los desafíos para satisfacer las demandas de una audiencia global, los presupuestos difíciles de manejar que eliminan la asunción de riesgos creativos, o incluso el aumento de la cultura de la dopamina que transforma al público en zombis inquietos que no pueden quedarse quietos durante un largometraje. Lo que está matando a Disney y a Hollywood en general es la inmadurez y pereza rampantes de sus trabajadores creativos.

Casi todos los entrevistados en el artículo se quejaban de la cantidad de presión a la que estaban sometidos para terminar el producto y cumplir sus respectivos objetivos. Al parecer, el deseo generalizado entre los productores de obtener beneficios de un proyecto que costó más de 200 millones de dólares fue un verdadero bajón para parte del personal. Como cuenta una fuente, «Ésa era la presión que sentía todo el mundo. Necesitamos que esta película tenga éxito porque si no, no tendremos estudio». Y esa fue la presión que todo el mundo sintió todo el tiempo. Todo el tiempo».

Ahogar a los creadores

En la práctica, esto significaba que algunos de ellos tenían que hacer horas extras (por las que se les compensaba justamente), y que muchos de ellos tenían que revisar y rehacer escenas que no funcionaban. También existía la esperanza de que todos conservaran un trabajo fijo después del proyecto y recibieran jugosas primas. Pero se despidió a muchos por limitaciones presupuestarias, lo que les dejó amargados.

La gente normal que no trabaja en Hollywood podría preguntarse cómo es posible que la volatilidad y las exigencias de un proyecto creativo no estén siempre presentes a la hora de hacer una nueva película. Evidentemente, debe de haber producciones cinematográficas que presionan poco a los empleados hoy en día. En lugar de decirles que su película tiene que tener éxito, a los trabajadores de los platós de cine se les dice lo contrario: la película puede fracasar, pero no es culpa de nadie (excepto quizá del público), así que tómatelo con calma y cuida tu salud mental. Esto explicaría cómo series de televisión como She-Hulk: Attorney at Law, The Acolyte o Rings of Power cuentan con presupuestos enormes (225 millones de dólares, 180 millones de dólares y casi 1.000 millones de dólares, respectivamente) y aun así parecen baratas y feas.

Quizá lo más llamativo sea el resentimiento de los empleados hacia el director creativo de Del revés 2, Pete Docter. Habiendo estado detrás de casi todas las películas de éxito de Pixar, incluyendo Toy Story, Wall-E, Up e Inside Out, obviamente tenía sentido traer a Docter: «Ya has visto el resultado final. [Del revés 2] hizo mil millones de dólares en taquilla», señaló un empleado. «Fue un resultado directo de la participación de Pete. Pete es un genio. Nadie puede discutirlo».

Pete Docter y Keslry Mann

Y, sin embargo, los descontentos de Pixar sí que lo discutirán. Sí, Docter tenía un historial probado y parecía ser un jefe relativamente agradable, pero también era «un símbolo de Pixar aferrado a una cultura interna obstinadamente inamovible, con aversión a incorporar nuevos directores y voces». Uno de esos «nuevos directores» era la novata Kelsey Mann, que en un principio iba a supervisar Del revés 2, pero le sustituyó Docter. En palabras de una fuente: «No se puede hacer nada sin Pete. Literalmente, nada».

Sin embargo, lo que realmente molestaba a los empleados de Docter era su insistencia en hacer «historias universales». Es decir, quería hacer películas con las que un público masivo pudiera identificarse en lugar de impulsar una agenda para atraer a un grupo selecto de personas.

Naturalmente, esto supuso un problema para un personal progresista que no aprendió nada del fracaso que supuso Lightyear, en la que aparecía orgullosamente una pareja de lesbianas besándose. Muchos de ellos estaban empeñados en contar la historia de la protagonista de Del revés, Riley, de 13 años, que mantiene una relación romántica con otra niña, porque eso es lo que creen que quieren ver las familias con niños pequeños. Docter pidió ediciones que hicieran a Riley «menos gay», lo que llevó a «un montón de trabajo extra para asegurarse de que nadie los viera potencialmente como no heterosexuales».

La homosexualidad de Riley

El hecho de que se tuvieran que hacer ediciones en primer lugar debería llevarnos a preguntarnos cómo serían las cosas si Docter nunca hubiera tomado las riendas y Mann hubiera sido intimidada para hacer a Riley gay. ¿Y si Anger (un claro avatar de los hombres blancos conservadores), y no Anxiety, fuera la antagonista que intenta obligar a Riley a ajustarse a su entorno heteronormativo y negar lo que siente? ¿Y si su objetivo en la película no fuera entrar en el equipo de hockey, sino besar a la chica de sus sueños?

Sin duda, sería un desastre, pero no necesariamente porque eso ofendiera a la gente. Más bien porque sería aburrido y tópico. Un Riley gay tendría que ser superlativamente virtuoso, no cometer nunca errores y tener sólo las intenciones más puras. Y la única forma de frustrar a un Anger homófobo sería sermonearle sobre lo normal y natural que es sentir atracción por el mismo sexo y actuar en consecuencia. En lugar de una historia sobre los sentimientos que emprenden un viaje para darse cuenta de que necesitan trabajar juntos por una Riley mentalmente sana, serían los sentimientos los que irían a la guerra contra Anger y sus compinches para liberar la sexualidad de Riley. En cuanto a Riley, se esconderá, luchará contra su inseguridad y se armará de valor para invitar a salir a la otra chica, que también resultará ser gay.

¿Qué hacer con Anger?

Por respeto a la comunidad homosexual, sería casi imposible que la historia fuera ligera, por miedo a trivializar y tergiversar el tema y a las personas implicadas. El único personaje potencialmente divertido y con el que se puede empatizar podría ser el antagonista Anger. Pero incluso él ha tenido que censurarse, y aplanarle hasta quitarle cualquier cualidad redimible para que los espectadores más jóvenes entendieran que es malo por ser homófobo. Los otros personajes son buenos por celebrar la identidad sexual de Riley.

Tal vez un puñado de personas podría estar genuinamente interesado en llevar a sus hijos a ver este tipo de película, pero la mayoría de la gente, comprensiblemente, pasaría de largo. No porque no les importen los homosexuales, sino porque la película carecerá de humor. Será aburrida y condescendiente. Como señaló el programa de televisión «South Park», la novedad de «poner a una chica y hacerla coja y gay» no funciona, y nunca funcionó.

Descontento en Disney y Pixar

De todos modos, los descontentos empleados de Pixar se lamentarán de que «puede que nunca vean un personaje gay importante en una película de Pixar». Por supuesto, verán un montón de personajes homosexuales en todas partes, pero Docter y algunas de las otras personas cuerdas de Pixar se han dado cuenta de que, sencillamente, esto no encaja bien en las películas familiares.

Se aferran a la anticuada noción de que el entretenimiento no consiste en hacer avanzar el progreso y adoctrinar a los jóvenes, sino en contar una historia con la que todos puedan identificarse y disfrutar. Se trata de reunir a la gente en una experiencia artística que hable de su humanidad compartida. Y, sobre todo, se trata de ganar dinero.

Hasta que la clase creativa actual no entienda esto y ajuste sus expectativas en consecuencia, puede esperar seguir viendo el declive de su industria.

Ver también

Botsuana y el ‘pensamiento Disney’. (Antonio José Chinchetru).